Историја класичне музике

Судско окупљање да се слуша музика

Сада када сте се правилно упознали са некима од више позната дела на репертоару класичне музике , мислио сам да ће преглед различитих епоха који обухвата историју класичне музике бити следећи логичан корак. Појам је веома широк, обухвата музику од средњег века до данас. Чланак ће покушати да вас упозна са неколико различитих стилова и идеја сваког од музичких периода у западном свету, као и да их контекстуализује како би се објаснили различити развоји и истакли важни композитори. Ово никако није свеобухватан водич, већ преглед који има за циљ да помогне почетницима да боље разумеју класичну музику. Због великог обима (ипак говоримо о хиљаду година музике) није све покривено. На пример, било каква музика после 1945. је искључена, јер постоји толико школа и приступа да чланак не би имао користи од неколико стотина речи.

Преглед садржајаПроширитиКолапс
  1. Рани период:
  2. Средњи век (1100-1400)
  3. Ренесанса (1400-1600)
  4. Барок (1600-1750)
  5. Класицизам (1750-1820)
  6. Романтизам (1820-1900)
  7. Модернизам, серијализам и даље (1900)
  8. Завршне речи

Рани период:

Иако је рана музика постојала као црквена и дворска музика, у великој мери рана црквена музика, а посебно вокална црквена музика, ће на крају постати веома софистицирана музика Баха, Бетовена и Брамса. Иако постоји много врлина у музици трубадура, мадригала и министраната, фокус чланка је више на црквеној музици.

Средњовековни музички рукопис

Средњовековни музички рукопис

Средњи век (1100-1400)

Све почиње овде, са једним редом белешки. Монофоно појање, које се назива и Обичан појање, развило се у разним центрима широм Европе. Као и дворска музика, била је локална, заснована на локалним литургијама и различити региони су произвели различите стилове појања. Слушајте разлику између Мозарбског напева Португала и Шпаније и Амборисанског певања. Обојица раде верзије дела мисе „Глориа ин Екцелисус Део“.

хттп://ввв.иоутубе.цом/ватцх?в=ккиЦс3оЛ3иг

Ово је почело да се мења стандардизацијом мисе и појања од стране Католичке цркве 1011. године. Резултат је био грегоријански појање, настало мешањем стилова певања два главна европска центра, Рима, центра цркве, и Париза, политичког центар. Ово је заменило скоро све локалне облике појања. Овде поново слушајте Глорију, али урађено као грегоријанско појање.

Са овом стандардизацијом је почео да се дешава напредак. Постепено је у музику уведено више линија, које се крећу кроз Органум. Велики део ове музике је још увек анониман. Поново су различити центри експериментисали у различитим приступима органуму, од којих је можда најзначајнији био енглески. Иако је Флоридни органум Светог Марсијала био најзначајнији на каснијим органумима, уступајући место чувеној школи Нотр Дам, енглески органум је фаворизовао интервал терце, који ће постати пут којим ће модална музика довести до дур/мол тоналитета. , али о томе касније. Касније су их развила два најранија позната композитора, прво Леонин, а касније Перотин. Обе су пружиле многе нове композиционе технике, од којих је најважнији модални ритам, у суштини неправилне ноте распоређене у правилном обрасцу.

хттп://иоутубе.цом/ватцх?в=гткмнхнХВхв

Примарна разлика је у томе што се Леонинов стил више померио ка дугим цветним линијама, Перотин се више фокусирао на коришћење сложенијих гласова, доносећи чврст почетак полифонији.

Ренесанса (1400-1600)

Почетни потез је био да се изгладе елементи који су постали истакнути у стилу касног средњег века. То је посебно значило поједностављење неких ритмова. Међутим, ово је пружило лепши стил и на много начина додало фокусиранији ритам који се више кретао према крају дела. Интервал терце са својом већом бојом (молном и дурском) постао је вреднији. У средњем веку се сматрало дисонантним, а самим тим и подређеним петом и четвртом.

Музика је постепено поново постајала сложенија у музици Јоханеса Окехема. Његова наклоност канонима може се чути у његовој Мисса Пролатионум. Ово је повезано са повећаним детаљима који су виђени у визуелној уметности у то време.

1470-их први утицај штампарије осетио се у музици. Музичка нотација је почела да добија форму, дозвољавајући идеју о преношењу музике и њеној вернијој репродукцији. То је такође значило да је локални елемент, као и код стандардизације мисе од стране цркве 1011. године, превазиђен растућим интернационализмом, посебно француско-фламанским стилом полифоније. Са овим је дошло до повећања поједностављења посебно код Г.П. Палестрина. Кретање ка јаснијем стилу дошло је делимично због Контрареформације и Тридентског сабора. У суштини, донета је одлука да је тадашња полифона музика учинила текстове, божанске свете текстове, неразумљивим. Одустали су од мешања неколико гласова у канонском стилу Окехема у корист имитације дуета и трија који би се у текстури градили на пет или шест деоница. Такође је било све више пасуса хомофоније (више гласова који се крећу у сличном ритму) за пасусе од посебног значаја. Палестрина је на крају развио слободан стил контрапункта од ових, омогућавајући и јасноћу и музички интерес.

Опсесија тог периода антиком, посебно Грцима, навела је неке да експериментишу са обликом музичког позоришта, где је глас испричао причу уз пратњу инструмената, у суштини покушавајући да реплицира грчку драму. Успевају, донекле. Створили су облик музичког позоришта који је и данас присутан, иако је под знаком питања у ком степену подсећа на традиционалну грчку драму.

Барок (1600-1750)

Опет, видимо да се локализација одвија унутар музике, јер барокни период нуди разне композиторе са разних места. Сам термин је првобитно коришћен као увреда за веома китњаст, наизглед некохерентан стил музике. Од тада је постао термин који описује широк спектар композитора током периода од 150 година. Један од прелазних композитора био је Јакопо Пери. Радио је и за разне цркве и за судове, посебно за Медичије. Његов стил је знатно мање сложен од већине ренесансне музике пре њега или више орнаменталног стила који би карактерисао барок. Мало од његовог дела се данас изводи, и то често само као куриозитет. Ипак, он је, по некима, прави изумитељ нове форме под називом Опера коју ће касније ревидирати Клаудио Монтеверди у свом Л’Орфеу.

Неупоредиви Ј.С. Бацх

Неупоредиви Ј.С. Бацх

Основни састојци који ће карактерисати каснију барокну музику су тонска хармонија у виду басо цонтинуо-а (непрекидне бас линије) на којој би се свирала тонска полифонија, инспирисана контрапунктом развијеним током ренесансе. Интервал терце који је полако постајао битан композиторима омогућио је појаву дура и мола као начина управљања дисонансом и хроматизмом који ће бити кључна карактеристика до краја 19.тхвека. Поред овога је концептуализација једнаког темперамента, подела на октава у дванаест делова. Изненађујуће, ово није дванаест савршено подешених полутонова. У ствари, постоји дванаест, неусклађених интервала, али степен до ког су они неусклађени је тачан, што значи да се међусобно балансирају. Ово је омогућило модулацију између тастера. Добро темперирани клавиер Јохана Себастијана Баха је на неки начин остварење и прослава ове стандардизације. Инструментална музика је дошла на своје. Посебно клавијатурни инструменти, односно чембало и оргуље, постали су ослонци музике.

Ј. С. Бацх је гигант ове епохе, иако је био далеко од најславнијег музичара тог времена, његова слава је посебно порасла од 19. века па надаље. Његов главни пост био је као кондуктер у Лајпцигу, у суштини човек задужен за музику тог града. Створио је многа разноврсна дела, од коралних кантата, миса, прелудија, партита. Са изузетком позоришних дела (као што су опере), Бахов каталог покрива све форме, инструменте и оркестре тог периода.

Штампарска машина је такође отворила пут стандардизацији. Произведени су педагошки текстови, укључујући „Градус ад Паранассум“ Јохана Фукса (1725) који систематизује контрапункт ранијих периода и Арханђела Корелија, који је организовао виолинску технику и педагогију. Овај период је такође омогућио веће индивидуалне разлике. Композитори и извођачи почели су да се славе сами по себи, њихово знање и стручност преносили су или кроз педагогију или у штампи хвалећи њихове таленте.

Иако је литургија ипак представљала основу за нека дела, композитори су одлучили да другачије организују материјал. Форма је постала важнија, јер је потреба да се остане унутар једног кључа захтевала методе организовања музичког материјала да се врати на „тоник“ или кућни тастер. Ово је обезбедило оквир за соната форму као и идеју теме и варијације. Основе форме обухватале су бинарни (ААБА) или трио (АБЦ).

Класицизам (1750-1820)

Током ренесансе фокус се померио на класичну антику (отуда и име) и људи су то покушали да опонашају у новој уметности и архитектури. Док су нагласци и даље били на формалности и хијерархији, баш као и током барока, фокус је био више на јасној подели, снажном контрасту и једноставнијем стилу, за разлику од сложеног, орнаменталног стила барока. Једноставно речено, полифонија је уступила место једној мелодији праћеној подређеном хармонијом. Откривање промене у модулацији, као што је између прве и друге теме сонате, постало је све важније. Било је потребно знање старијих музичара са њиховом техничком стручношћу, али новији стил је дошао од млађих музичара. Ц.П.Е. Бах је показао сјајну комбинацију ова два. Од свог оца је стекао знање о старим техникама, али је био у стању да их користи у новијим стиловима омиљеним у јавности. Овај прелазни период који би довео до сличних Јосепх Хаиден и Волфганг Амадеус Моцарт датоване око 1730-1760. Чињеница је да је Бах, иако и даље поштован, постао нешто попут реликвије.

Једноставност је имала и економске разлоге и користи. Склоност ка новој музици постала је јавна фиксација, али ресурси доступни композитору били су прилично ограничени. Док је Бах имао на располагању све музичаре у Лајпцигу, Моцарт би, на пример, морао да ангажује музичаре, што би значило да пробе, а пробе коштају. Да би се ограничио буџет, у моду су ушли комади који захтевају само једну пробу.

Судско окупљање да се слуша музика

Судско окупљање да се слуша музика

Током овог периода, дворска музика (композитори су били у служби племића) је напредовала. Ц наш оркестар из Манхајма био је најпознатији у то време, и отуда је утицао на музичке стилове многих композитора, укључујући Хејдена и Моцарта. Хаиден се често назива оцем оба Симфонија анд тхе Гудачки квартет . Још као дечак, добио је музичко образовање и на крају је био ангажован као хорист у катедрали Светог Стефана у Бечу. Како је одрастао, његов глас је неповољно сазрео и након лоше примљене шале на рачун колеге хориста је отпуштен. Касније је преузео разне послове и, схватајући недостатак знања о музичкој теорији и композицији, проучавао је многе текстове који су били доступни путем штампе током барокног периода (пре свега Фуксов трактат) и проучавао рад Ц.П.Е. Бацх. То је на крају довело до његовог запослења на имању Естерхази, што му је помогло да развије свој стил и успех.

Друга велика економска промена је била то што су музичари све више постајали слободни играчи. Раније се музика стварала само у оквиру и за двор. Моцарт је, на пример, продавао претплате на своје концерте да би се финансирао, уместо да се ослања на краљевско покровитељство. С друге стране, Хејден је искористио стабилност свог судског именовања да се фокусира на стварање нових начина компоновања и структурирања дела у оквиру нове естетике тог периода, Моцарт је тражио успех у јавном домену. То је значило бити виртуозни извођач и компоновати опере. Оба су омогућила играње током неколико вечери и распоред турнеја, омогућавајући Моцарту да оствари одржив приход. Такође је преферирао већу употребу хроматских акорда и комбинацију мелодија у оквиру једног дела. Његов тренинг са Хејденом пружио му је структуриранији, дисциплинованији приступ што га је довело до тога да постане шаренији и виртуознији. Његов композициони стил захтевао је већу пажњу и интеракцију унутар оркестра и представљао је већи изазов за поједине музичаре. Овај технички приступ захтевао је више од композитора као и од извођача, а публика је жудела за више. У исто време, ови повећани захтеви за вештином разликовали су каснији класицизам око 1780. од ранијег прелазног периода (1740-1760). И Хејден и Моцарт су у то време сматрани генијима и уживали су у великом успеху.

У наставку се појавила нова генерација музичара, а свакако најпознатији и најпризнатији Лудвиг ван Бетовен . Као и Моцарт, стекао је репутацију виртуозног извођача, посебно запаженог по импровизацији. Међутим, његове композиције су имале још већи утицај: биле су дуже, сложеније. више „пијанистички” у односу на „вокал” и обезбедио је већу интеракцију између инструмената, што је довело до новог стила. Рани класицистички појам једноставности над сложеношћу био је узурпиран. Форма је омогућила веће истраживање музичког материјала. Најјасније место да се то види је у развојним деловима Бетовенових дела. Уместо Моцартове разиграности, Бетовен је прерадио своје теме на велике, смеле и компликоване начине. Његов главни фокус је био стварање монументалног, оригиналног уметничког дела. Као последица тога, његов квалитетан приступ значио је да ће створити мање томова: док је Хејден компоновао преко 100 симфонија, Моцарт је написао 41, а Бетовен само 9 симфонија . Међутим, емоционални интензитет и музичка софистицираност који постоје у Бетовеновим симфонијама указују на крајњи помак. Иако је Бетовен започео своју каријеру као класичар, завршио ју је као проторомантичар.

Романтизам (1820-1900)

Све веће интересовање за природу, величање субјективног мишљења и интересовање за натприродно карактерише романтизам. Стандардизација која је наступила током класичног периода била је тестирана и гурнута до својих граница, јер је сваки композитор имао свој, субјективни приступ. сходно томе, стилови слободне форме као што су ноктурно, рапсодије и прелудије постали су популарни. Одличан пример за то је Фредерик Шопен . У своје мазурке уградио је елементе народне музике, иако су намењене концертној дворани.

хттп://ввв.иоутубе.цом/ватцх?в=е8ПЈсјО1у5в

Музичари су се ослободили племства јер су сада музичари могли да раде самостално или кроз различите музичке образовне организације. Један такав начин био је кроз повећано интересовање за музику средње класе, што је омогућило композиторима редовне приходе. Шопен је, на пример, одржао само неколико концертних наступа. Његов уобичајени приход долазио је од држања лекција и продаје својих рукописа.

Ова независност је навела друге да имају велике распореде турнеја и концерата. Композитори и извођачи су у суштини постали рок звезде, обожаване у јавности. Два главна примера су виолиниста Ницолло Пананини и Франц Лист. Паганини је заправо инспирисао листу, својим техничким достигнућем са виолином, да га усклади са клавиром. Дуели су постали уобичајена карактеристика између пијаниста. Лист је имао посебно ривалство са Сигисмондом Тхалбергом, колегом композитором и виртуозом, где су у суштини покушавали да смање популарност другог у медијима. Ово баш и није функционисало и тако су, да би се разрачунали, 31. марта 1837. Лист и Талберг имали дуел у салону принцезе Кристине Белђохосо. Свако је прво одсвирао комад који је већ био на свом репертоару. Затим је сваки одиграо део екстремне техничке потешкоће коју су припремили посебно за састанак. Лист је био Реминсценцес де Роберт ле Диабле. Иако су то присутни назвали нерешеним резултатом, Талберг, који се годинама такмичио са Листом, никада га више није изазвао.

Једна супротна страна овог спектра био је Вагнер. Вагнер је желео да створи Гесамткунстверк (укупно уметничко дело) у коме су се спојили поетски, визуелни, музички и драмски елементи уметности. Оркестри су расли током овог периода са увођењем више инструмената и већих улога за постојеће. Али за Вагнера је напредак био сувише спор. Желео је још веће. Неке инструменте је одредио за своје оркестре, као што је октобас, бас толико велики да је људима било потребно да га свирају. Такође је био један од ретких композитора из овог периода који је стекао покровитељство у виду Лудвига ИИ Баварског. То му је омогућило да изгради Баиреутх Фестспиелхаус (Фестивалско позориште). Овде је оркестар сакривен испод хаубе да би се прво уклонио из видокруга оркестра, Вагнеру је драма била примарна, а друго да би се исправио баланс између певача и оркестра. Музика је користила веће количине хроматизма и дисонанце које су допринеле драматичном ефекту музике. Иако је циклус прстена огромно дело ове ере, то је Прелудиј из Тристана и Изолде, са чувеним акордом Тристана (00:12) који наглашава емоционалну чежњу и хроматски пркос који су карактерисали Вагнеров рад.

Модернизам, серијализам и даље (1900)

До почетка 2. века композитори су се уморили од конвенција и стандардизације до којих је дошло током ере уобичајене праксе и почели су да истражују више метода организовања музике. За неке је то једноставно значило проширење ових конвенција, као што је Сергеј Рахмањинов који је компоновао музику у романтичарском стилу све до 1940-их.

Игор Стравински

Игор Стравински

Други су одлучили да редефинишу, мутирају или одбаце претходне конвенције. Клод Дебиси био један од ових композитора. Првобитно фасциниран Вагнер Високо хроматска тонска музика је на крају дошла до закључка да је то био прелеп залазак сунца који се погрешно сматра зором. Он је, као и други, схватио да је Вагнеров приступ тоналитету з ограничење на тоналитет. Тако је тражио друге начине да организује свој материјал. На неки начин, гледао је уназад и користио модусе за своје композиције баш као у периоду средњег века и ренесансе. То му је дало тонску двосмисленост и слободу да помера своју музику о чему сведочи Увод у Фауново поподне . Такође открива Дебисијеву употребу нефункционалних хармонија, где, уместо да покреће комад напред, хармонија једноставно боји мелодију. Током овог периода, дувачки и дувачки инструменти су почели да се такмиче са традиционалним гудачким инструментима.

Још једно огромно дело раног 2. века било је Игор Стравински Обред пролећа. Чувени изазивајући велико негодовање јавности и скоро неред на премијери 1913. године, комад, са својим наизглед какофоничним мешањем мелодија и насилном природом снажних ритмова, открио је нове области фасцинације модернистичког доба. Уместо да је висина тона била примарни елемент у музици, постала је подређена атмосфери коју стварају текстура, ритам и тон.

И коначно Арнолд Шенберг и дванаестогласну музику. Док су Дебиси и Стравински тражили нове и егзотичне технике и звуке да би створили своју музику, Шенберг се фиксирао на саме основе ере уобичајене праксе, дванаест тонова једнаког темперамента. Понекад се назива атонална музика, да би спречио да ово падне у потпуни хаос, Шенберг је извео систем који захтева да се свих дванаест тонова користе узастопно, а затим да се тај низ понавља за остатак дела. Систем, иако му се приступило из другачијег правца него његови савременици, такође је захтевао већи фокус на текстуру, инструментацију, динамику и ритам.

Иако ствара занимљив, чак и прогањан ефекат, није баш добро прихваћен. Ипак, Шенбергова техника је била кључна у западној музици у наредних неколико деценија са композиторима као што су Пиерре Боулез и Стоцкхаусен развијајући своју технику од дванаест тонова у потпуни серијализам, где је сваки елемент од висине тона преко динамике до ритма био подвргнут строгом систему. Опет, резултати нису били популарни и многи, попут минималиста, потпуно су га одбацили.

Завршне речи

Надам се да вам је овај увод у историју западне класичне музике дао утисак о различитим стиловима у различитим периодима. Више од свега надам се да вам омогућава да више цените различите врсте музике. Која је ваша омиљена ера класичне музике или који су вам омиљени композитори? Обавестите нас у коментарима.