Буквар хора – Јединство многих

Тхе Цхоир Буквар

Људско тело је најстарији музички инструмент. Пљескање рукама, лупање ногама – све то производи звук и, када се упореди са намером, моћ ума да се бави, представља или заступа ствари, својства и стања ствари, способна је да представља, путем мимикрије , ритам и понављање. Али још већи од удова је људски глас, способан да звучи тако уобичајено као што су кашаљ, зевање и шкљоцање, до невероватнијих, као што су звиждање, говор и, за потребе овог чланка, певање.

Преглед садржајаПроширитиКолапс
  1. Античко порекло
  2. Певајте музику
  3. Уједињење
  4. Рана полифонија
  5. Златно доба полифоније
  6. Ера уобичајене праксе
  7. Савремени примери
  8. Више од једног гласа
  9. Референце:

Не може се са сигурношћу утврдити када је музика почела, а никако како је та музика звучала. Најбоља теорија је да је то била вокална и ударна музика, на шта указује чињеница да ова два елемента постоје у народној традицији широм света.
О варијанти вокалне музике у западном музичком свету било би немогуће у потпуности расправљати у тези, а камоли у чланку од 3.000 речи, па ћемо се, краткоће ради, фокусирати на једну врсту вокалне музике која је нашла истакнуто место у западни свет: Хор. Први пут забележен у старој Грчкој, остао је главни део западног канона до данас. То је традиција која укључује многе различите гласове који се окупљају да певају као један, са различитим вокалним бојама које се спајају изнова и изнова, желећи да се ослободе и дају глас својим јединственим тоновима.
Хор и хор, су отприлике синоними. Обе означавају групу певача који наступају заједно као група. Разлика долази у месту. Хор би певао у цркви или, традиционално, као што име каже, из хора (или квира), дела цркве у коме се налазе седишта за свештенство или хор. Хор би наступао у позоришту или концертној сали.
Иако на почетку, као форма, која се састоји готово искључиво од вокала, придружили су се и други инструменти, посебно од барокног периода па надаље.

Античко порекло

Грци нису имали монопол на музику, нити су снимили прву музику у данашњем запису. Древна Индија, Египат, Кина и Месопотамија сви су имали музичке системе. У ствари, најстарија писана музика је месопотамска (Вест, 1994). Међутим, Грци су, колико можемо препознати из археологије, први ставили акценат и створили представу о певању као групи, као хору. Хор који екстраполира теме и емоције главних играча је најпознатије повезан са грчким позориштем. Чак и Хомерово Илијада би била изведена на такав начин, иако не постоји забележена нотација о томе.
Међутим, неки примери постоје. За једну се верује да је најстарија композиција за коју знамо име композитора, Делфске химне.

Оно што ћете приметити је да су радови монофони; то је јединствена музичка линија коју певају сви појединци. Мада Опера био је свестан напор да се поново осмисли грчка драма, хор је био артефакт који се преносио кроз генерације. Прекретница од античке музике Грчке и Рима налази се у Химни Оксиринха, која датира из 3. века нове ере. Ево модерног аранжмана, иако се не разликује много од оригиналне партитуре.

Текст, на грчком, је поетска интерпретација тишине за Свету Тројицу, и стога је један од најновијих примера античке хорске музике, али један од најранијих пронађених дела хришћанске литургијске музике, који би хор развио на нове нивое.

Певајте музику

Музика за певање (понекад се назива монофоно или обично певање, а понекад погрешно као грегоријански напев) како би се данас препознало, почела је у време Светог Амброзија у 4. веку. Тај стил певања се – на одговарајући начин – зове Амброзијанско певање, иако се понекад назива и Антифонско певање. То је због његовог начина извођења позива и одговора (анти-против и лажни звук; у основи, звук против звука). Хор је често био подељен на два, свака половина је певала једну деоницу, а друга је певала као одговор на то. Грегоријанском певању, који је посебан стил појања настао око 900. године нове ере, недостаје овај посебан стил позива и одговора. Ево примера оба стила који раде кирие.

Иако су грегоријанско и амброзијанско појање најпознатије пермутације овог стила, пуна историја монофоног појања је много богатија, са развојем који се дешава широм Европе. Ови развоји су били локални, засновани на локалним литургијама, и стога су различити региони произвели различите стилове појања.
Један стил који још увек постоји и који се значајно разликује је мозарапско певање Португала и Шпаније. Оно што карактерише овај стил су микротоналне флексије које делу дају оријентални осећај. Послушајте ову интерпретацију истог дела мисе коју смо раније чули у грегоријанском и амброзијанском певању:

хттпс://ввв.иоутубе.цом/ватцх?в=ккиЦс3оЛ3иг

Они који познају историју Иберијског полуострва највероватније схватају разлог за ову конкретну варијацију: Ал-Андалус, такође познат као Исламска Иберија, који је трајао од 711. до 1492. године, који је, на свом врхунцу, владао великим делом онога што је данас Шпанија и Португал. На исти начин на који су цркве усвојиле исламске архитектонске елементе, тако је и музика, са микротоналним флексијама више карактеристичним за блискоисточну или индијску класичну музику него за западну модалну традицију.

Уједињење

Иако су се широм Европе развијале бројне богате традиције, оне које су стекле истакнуто место у Цркви имале су другачији циљ: стандардизацију. Покушаје је направио Пепин ИИИ Кратки, а настављени су до испуњења у време Карла Великог. Ово није било само уз појање, већ и мису и литургију. Резултат је био грегоријанско појање, настало мешањем стилова певања два главна европска центра: Рима, центра цркве, и Париза, политичког центра. Ово је заменило скоро све локалне облике појања. Ево, опет, слушајте Слава , али урађено као грегоријански појање.

До 900. године нове ере било је довољно записа да би музика постала у потпуности стандардизована. Неки регионални стилови су остали, као што је мозарбички стил, упркос томе што је црква прилично строго инсистирала да се усвоји стандардизовани облик. Карло Велики је постављен за званичног надзорника ширења стила и спречио је развој регионалних стилова. Због тога је, упркос богатој историји регионалног монофоног појања, остало само неколико стилова, а сматра се да је грегоријански појање синоним за монофоно појање.

Рана полифонија

После неколико векова монофоније, додавало се више гласова. Оно што црква није очекивала је да су у оквиру ове нове стандардизоване форме почели да се развијају појединачни гласови.
Постепено, више линија је уведено у музику. Органум је необичан где је додата још најмање једна вокална линија како би се повећала хармонија музике. Али то није била „хармонија“ како се данас разуме. Најранији пример Органума укључивао је грегоријански плаинцханант, са другим гласом који пева исту мелодију, транспоновану или квартом или квинтном. Трећи, који је темељни градивни елемент тонске хармоније, сматран је дисонантним, односно нестабилним интервалом, који захтева чврстину кварте, квинте или унисона.
Још једном, различити региони су експериментисали у различитим приступима органуму. Сваки је нешто допринео. Иако је најпознатији и стилски најзначајнији на каснијим оргумама био Флоридни органум Светог Марсијала и чувена школа Нотр Дам, енглески органум, који је фаворизовао интервал терце, био би пут којим би модална музика водила ка дуру. /молни тон и хармонија.
Иако ствара многе музичке форме, један који у великој мери показује прелаз између средњовековне и ренесансне музике био је мотет. У средњем веку мотет је израстао из органума, посебно оног од Леонин и Перотин . Основна идеја је да постоји а чврста песма , фрагмент равничарске мелодије, изнад које је а нека уче , или контра мелодија, кретала би се у супротном кретању. Овде је контрапункт (развио се од латинског тачка против тачке , или тачка против тачке). Леонинова карактеристика је била да се две мелодије крећу у различитим ритмичким модовима. На пример, он би имао дискант који се креће у режиму 2 (два дуга такта) и чврста песма у првом режиму (један дуг, један кратак). Ово је створило звук независних гласова који су се кретали у опозицији. Ово је оно што је сада познато као модални ритам, са овим неправилним обрасцима који се редовно примењују као организациони алат. Ова обједињујућа техника омогућила је композиторима да буду слободнији и смелији у другим категоријама, као што ће доказати Перотен, Леонинов наследник. Послушајте овај пример дводелног дела Сви су видели Леонин, а затим четири део први Перотин.

Перотин рад је био у великој мери заснован на Леонену. Ово не значи да је Перотин само копир или елаборатор. Његов развој био је значајан за развој хорске музике, посебно његово додавање још више гласова. Тамо где је Леонин компоновао за два гласа, Перотин је користио четири, кључну особину која ће бити од виталног значаја у музици наредних генерација. Кроз своје проучавање и усвајање Леонинових модалних ритмова, Перотин је пронашао начине да уведе више гласова, стварајући богатији звук и пунију текстуру који ће бити обележје следеће генерације музике и композитора.

Златно доба полифоније

Богатије технике које су најавили Леонин и Перотин карактерисале би златно доба полифоније. Као и раније, структура делова католичке мисе представљала је главну организацију музике. Ово је прикладно јер је и учешће цркава видело како ће се музика развијати. Нарочито је витална била противреформација и Тридентски сабор. Две седнице Савета су се бавиле полифоном музиком у Католичкој цркви. Први се односио на цонтрафацтум, замену текстова са малим променама у музици, где би се популарне песме узимале и масовно користиле, уз додатак религиозног текста. То не би биле директне копије музике, већ би деловале као цантос фирмус око којих би се организовала музика мисе.
Други проблем се односио на полифонију као форму за себе и забринутост да имитације онемогућавају људима да разазнају све важне речи, свете текстове који су толико важни за масу. Неки су веровали да то треба потпуно забранити, издавајући текстове у том смислу. Други су били мање екстремни, иако су веровали да би било важно да музика садржи јак елемент јасноће. Ево Кирие са чувене мисе, па да сами процените да ли је музика способна за ово.

Легенда каже да Ђовани Пјерлуиђи из Палестрине чуо за ове дебате и гласине о забрани полифоније у цркви и да је настојао да реформише музику да буде јасна, задржавајући богате текстуре форме. Он је компоновао миса папе Марцела , или миса Папа Марцеллус. Прича каже да је, чувши то, кардинал Карло Боромео, био убеђен не само да вишегласје може бити разумљиво за мису, већ да би забрана ове прелепе музике била грех. Иако су неки текстови остали из ове ере, тврдећи да је управо Палестринина маса учинила да они на власти увиде потенцијал стила да постоји, спорно је у којој мери су реалности приче заправо међусобно повезане.

Ера уобичајене праксе

Са успоном инструменталне музике и секуларне музике као преовлађујућих стилова, традиција вокалне музике се наставила у пригушеном облику. Када је поново прегледан, био је уз значајну инструменталну пратњу. Постоји неколико примера у доба барока, класицизма и романтизма, од В.А. Моцарта и Берлиоз 'с чувени реквијеми, доБеетховентријумфална употреба рефрена у његовом Девета симфонија. Али два примера, релативно рано у ери уобичајене праксе тонске хармоније, су можда најистакнутија.
О првом је већ било речи у апретходни чланак. Ј.С. Бацх , који се данас сматра најуспешнијим од свих композитора уметничке музике, за живота је био познатији као стручњак за оргуље него као композитор. То му је, можда, омогућило да у својим делима истражује музичке идеје које нису биле потребне да се такмичи са новоформираним конкурентним музичким тржиштем које се показало као стварност за његовог сина. Ц.П.Е. Бацх , и Моцарта, и каснијих генерација. Основна разлика са барокном хорском музиком је у томе што уз хор поставља инструменталну пратњу. Усвајање тоналитета је ово омогућило јер је централни кључ тоничног кључа као организационе технике значио да можете имати хор који и даље изводи богату имитацију полифоније уз снажну хармонску основу. У ранијим примерима, имитација је обезбедила ову кохезију.
Бах је био изузетан у овој области, и заиста је истраживао могућности мешања ова два елемента. Јак пример су припеви из Страдање по светом Јовану.

Иако се Бах сматра мајстором ове ере, био је Георге Фридериц Хандел (рођен као Георг Фридерих Хендел) који је компоновао најпознатије дело за коришћење хора: Месија. Једна од кључних карактеристика Хенделовог дела је оркестарска суздржаност. Помаже гласовима, а не покушава да се такмичи са њима. Иако дело поседује делове који су у потпуности инструментални, почевши од спорих, тихих инструмената, што доводи до нежног увођења гласова.

Још један елемент напомене је чињеница да, иако у ери тонске музике, Месија не поседује тонски кључ. Мада, Ентони Хикс нам каже да има тежњу ка Д-дуру, са неколико кључних делова, међу којима су победоносни покрети „трубе“ и завршница. Поред тога, Рудолф Стеглих придаје велику важност узлазном четвртом током целог дела као јединственом уређају. Иако постоји одређена расправа о томе да ли је било шта од овога случај, док други приписују јединство Хенделовој марљивости његовом тексту и доследности маште, то показује да има ту тонску двосмисленост, захваљујући нечему раним хорским делима.

Георге Фриедерицх Хандел

Георге Фриедерицх Хандел

Савремени примери

Са појавом минимализма, неколико композитора је усвојило технике у хорској музици. Арво Перт, заједно са Џоном Тавенером и Хенриком Горецким, названи су Светим минималистима. Перт је, како је изјавио минималиста Стив Рајх, потпуно ван корака са зеитгеистом, а ипак је изузетно популаран, што је тако инспиративно. Његова музика испуњава дубоку људску потребу која нема никакве везе са модом. Сведочанство растућег интересовања за његов рад је што је добио Греми за свој рад 2009. године Адамов плач , раније ове године. Али оно по чему се Партова дела издваја је његова техника тинтинабулија. Ова техника дели хор на два гласа: један арпежира трозвук (тоника, терца и квинта лествице), док се други глас креће степенасто дуж дијатонске скале оцртаног акорда. Ова техника није ексклузивна за хорску музику, и увелико је коришћена у свом инструменталном раду, пре свега огледало им Спиегел . Али добија одређену релевантност када га изводи хор, јер је технику развио Перт као одговор на своја мистична искуства са певачком музиком.

хттп://ввв.иоутубе.цом/ватцх?в=1А6БфихФСВК

Његов рад, Магнифицат, је можда најрелевантнији пример, а биограф Перт, Пол Хилер, сматра га да приказује технику тинтинабули у њеној најподатнији и најпрефињенији. Поред тога, уводи и друге технике које се користе у музици за певање, као што су дронови за које Хилер сугерише да појачавају осећај безвремености или сталне садашњости која се често налази у Партовом раду.

Модерне хорске музике, Гиорги Лигети' с Рекуием је можда најпознатији. Сигуран сам да смо сви чули ово:

Лигетијева слава у великој мери дугује широкој употреби његове музике у филмовима као што су 2001: Одисеја у свемиру, а у новије време падобранска сцена у Годзила. Његов Реквијем је привукао тако велику пажњу, али је компоновао бројна вокална дела. Али тврдити да је то једини разлог било би погрешно.
Снага Лигетијеве музике је у текстури. Велики део музике, посебно хорске, фокусира се на мелодију, јасно артикулисану секвенцу коју ухо прати. Као што је раније речено, колико год је хорска музика модална, она се ослања на мелодије које делују или у комбинацији са или против других мелодија, понекад постајући испреплетене и неразазнатне, стварајући богату текстуру. Лигети то ради на екстреман начин. Он се потпуно одриче идеје препознатљиве мелодије, фокусирајући се уместо тога на текстуру бројних гласова. Композициона техника којом то постиже је микрополифонија. Као што име сугерише, то је пример многих веома малих, невероватно густих канона који звуче једни против других. Ефекат, како Цопе открива, је звук кластер акорда, али кретање различитих линија ствара симултаност различитих линија, ритмова и тембра. То је екстремни пример полифоније, где сви гласови наизглед певају један против другог, а у ствари стварају богат, леп и прогањан звук.
То је оно због чега су Лигети и Парт тако занимљиви закључци овог чланка. У оба случаја преовлађује текстура, али се њихов приступ значајно разликује. Лигети ствара богате, густе линије које подсећају на неке од музички најбогатијих полифонија из периода касног средњег века и ране ренесансе, а са Партом који се фокусира на наратив, стварајући дело једнако богато и бујно. Перт и Лигети одражавају историју хорске музике у својим делима, стварајући јединствене додатке.

Више од једног гласа

Историја и разноврсност хорске музике је широка и разнолика, а овај чланак вас упознаје са малим бројем дела и композитора који су стварали музику у овој традицији. Уживајте у овим примерима, али потражите неку другу музику, од других раних пионира попут Гуиллауме Дуфаи , Јоскуин дес През , Виллиам Бирд , и Тхомас Таллис , барокним композиторима као Цлаудио Монтеверди и Хенри Пурцелл , савременим композиторима попут Ралпх Ваугхан Виллиамс и Бењамин Бриттен . Традиција је много богатија од једног гласа.

Референце:

Цопе, Давид (1997). Технике савременог композитора . Њујорк, Њујорк: Ширмер књиге.

Хилиер, Пол, Арво Перт, Оксфордске студије композитора (Окфорд анд Нев Иорк: Окфорд Университи Пресс, 1997).

Вест, М. Л., „Вавилонска музичка нотација и хуритски мелодијски текстови“, Музика и писма , 75, бр. 2 (мај 1994), 161–79.